A dollár a művészetben már régóta nem csupán egy bankjegy: jelenthet hatalmat, félelmet, szabadságot, hiúságot – vagy személyes függetlenséget. Jelena Grohovickaja az utóbbi értelmezést választja. Munkáiban a pénz szimbolikája a karakterről szóló beszélgetéssé válik, a festészet pedig kilép a keretből – selyemsálakra és ruhadarabokra kerül. Találkoztunk a művésznővel, hogy reklámformulák nélkül beszélgessünk: lehet-e a sikerrel kapcsolatban alkotni anélkül, hogy az ember a szép ígéretek foglya legyen, hol ér véget a festmény és hol kezdődik a márka, és mit is vásárol valójában a gyűjtő.

Jelena Grohovickaja – munka a pénz sorozatból
Fotó: Jelena Grohovickaja munkája

— Művészetében a pénz szinte demonstratívan jelenik meg. Nem félt, hogy a néző túl egyenes, kimondott gesztusként fogja ezt értelmezni?

— Az egyenesség nem ijeszt meg, ha van mögötte egy második réteg. A pénz egy azonnal leolvasható szimbólum, de minden ember a saját tapasztalatával tölti meg. Az egyiknek szabadságot jelent, a másiknak szorongást, a harmadiknak a felelősség mértékét. Engem nem maga a valuta jele érdekel, hanem az, ami az emberrel történik mellette.

— Tehát a „pénzes festményei” nem a gazdagságról szólnak?

— Nem a gazdagságról, mint kirakatról. Inkább a képességéről, hogy erőforrást teremtsünk és azt kezeljük. A pénzt a mozgás következményeként fogom fel: munka, döntések, kitartás, néha kockázat. Ezért a munkáimban ez a cselekvés energiája, nem pedig a könnyű szerencse ígérete.

— De a közösségi médiában a pénzzel kapcsolatos művészet könnyen a siker talizmánjává válik. Mennyire áll önhöz közel ez a terület?

— Megértem, miért akarja a néző a festményben a személyes szimbólumot látni. A művészetnek mindig is plusz erőt tulajdonítottak – emléket, védelmet, reményt. De számomra fontos, hogy ne ígérjek varázslatos eredményt. A festmény nem helyettesíti a tetteket. Emlékeztetheti az embert a szándékára, összpontosíthatja a figyelmet, hangulatot teremthet a térben. Az ereje abban rejlik, hogy értelmet teremtsen a mű és a tulajdonos között.

— Mikor merült fel az „Ingbe festett képek” ötlete?

— Abból a vágyból, hogy eltávolítsam a távolságot a művészet és a mindennapok között. Először olasz gyártású selyemsálak jelentek meg. Tetszett, hogy a kép már nem volt mozdulatlan: a gesztussal, az anyaggal, a fénnyel együtt változott. Majd felmerült a fürdőruhák ötlete, amelyet saját pénzszimbólumokkal díszítettem. Számomra ez nem egy kép áthelyezése egy tárgyra, hanem a műalkotás másfajta létezési módja.

— Hol húzódik ebben az esetben a határ a művészet és a divat között?

— Nem vagyok benne biztos, hogy ma már őrizni kellene ezt a határt. Fontosabb más: megmarad-e az alkotói gondolat, amikor a hordozó megváltozik. Ha a tárgy csak szuvenírré válik, az ötlet eltűnik. Ha folytatja a művészi nyelvet, teljes értékű párbeszéd jön létre. Azt akarom, hogy a ruha ne illusztrálja a festményt, hanem hordozza annak belső feszültségét.

Jelena Grohovickaja – alkotói munka
Fotó: Jelena Grohovickaja munkája

— A festészetet nevezi minden kísérlet gerincének. Miért?

— Mert éppen a műteremben zajlik a munka legőszintébb része. Ott nincs közönség, reakció, eladás – van vászon és döntéshozatal szükségessége. A festészet fegyelmez. Nem hagyja, hogy egy gyenge gondolatot csomagolással rejtsünk el. Minden más – sálak, ruhák, együttműködések – akkor értelmes, ha ehhez az elsődleges tapasztalathoz kapcsolódik.

— Nyilvános imázsában sok szó esik az ambícióról. Egy művész számára az ambíció előny vagy veszély?

— Mindkettő. Ambíció nélkül nehéz hosszú utat végigküzdeni, különösen, ha az eredmény nem jön azonnal. De az ambíció veszélyessé válik, ha a művész már nem alkotást, hanem saját fontosságának bizonyítását hozza létre. Én igyekszem visszatérni a kérdéshez: van-e az alkotásban olyan energia, amit egy olyan ember is megérez, aki semmit nem tud a státuszomról és eredményeimről?

— És mégis, hangsúlyozza a szakmai elismerést: a Orosz Művészek Szövetségének tagja, az Európai Természettudományi Akadémia akadémikusa, a Geometria Awards 2025 díjazottja. Minek egy modern művésznek a címek?

— A címek nem teszik erősebbé a festményt. De rögzítik az út szakaszait és emlékeztetnek a felelősségre. Számomra a szakmai környezet fontos, mint a követelményesség tere. A kísérletezés bátorságának a mesterségre, az oktatásra, a folyamatos munkára kell épülnie – különben a provokáció gyorsan üressé válik.

— Munkái magángyűjteményekben és múzeumokban találhatók. Mi változik abban a pillanatban, amikor egy munka elhagyja a műtermet?

— Már nem csak az én elképzelésemhez tartozik. A gyűjtő otthonában a festménynek más életrajza lesz: új fény, tér, emberek, események. Szeretek arra gondolni, hogy az alkotás az én kontrollom nélkül is tovább él. Talán éppen akkor válik teljessé.

— Ma már szinte mindenki, aki művészetet ad el, az „invesztíció” szót használja. Mit jelent ez önnek?

— Óvatosan viszonyulok hozzá. A művésznek nem szabad az ár emelkedését ígérnie – a piac bonyolultabb ennél. A befektetési érték fokozatosan alakul ki: a minőségi munkákból, az ismerős nyelvből, az alkotó következetességéből, a kiállítási történetből, a gyűjtők érdeklődéséből és a szakmai hírnévből. De a festmény megvásárlásának első oka továbbra is személyes kell, hogy legyen: mellette akarsz élni.

— Tehát az esztétikai élvezet fontosabb a számításonál?

— Nem kell, hogy vitatkozzanak. Az esztétika vonz, az értelem tart meg, és az alkotó története idővel erősítheti a mű értékét. De a számítás érzelmi kapcsolat nélkül a művészetet számmá teszi. Egy jó gyűjtemény mindig az embert meséli el, aki összeállította: az ízléséről, az intuíciójáról, arról a képességéről, hogy meglátott valamit mások előtt.

— Mit kell éreznie egy embernek a festménye előtt?

— Nincs helyes reakció. De közel áll hozzám a belső összeszedettség állapota – amikor a munka nem csupán a falat díszíti, hanem visszahozza az embernek a saját lehetőségeinek méretét. Nem azt mondja neki: „Feltétlenül sikeres leszel”, hanem felteszi a kérdést: „Mit vagy hajlandó ehhez tenni?”

— Az erővel kapcsolatos művészetet hoz létre. Van benne sebezhetőség?

— Enélkül az erő dekoratív lenne. A siker vágya szinte mindig együtt jár a kudarc, az ellenőrzés elvesztése, a nem eléggé jelentősnek lenni félelmével. Engem éppen ez a kontraszt érdekel. Egy élénk, magabiztos kép elrejthet egy nagyon személyes kérdést – és talán ezért is ragad meg.

— Hogyan képzeli el az „Ingbe festett képek” projekt fejlődését?

— Egy önálló művészeti vonallá akarom alakítani: limitált kiadásokkal, együttműködésekkel és kiállítási projektekkel, ahol a festészet és a divat egyenrangúan beszélgethet. Ugyanakkor a példányszámnak осмисленное maradnia kell. Fontos nekem, hogy ne oldjam fel a művészi gesztust a végtelen gyártásban.

— És milyen kérdést tesz fel ma magának művészként?

— Hogyan őrizzem meg a szabadságot, amikor a munka körül egy rendszer kezd kialakulni – gyűjtők, projektek, elismerés, elvárások. A siker lehetőségeket ad, de egyben arra is felszólít, hogy ismételjük meg azt, ami már egyszer bevált. Fontos nekem, hogy ne legyek a saját felismerhetőségem foglya.

Jelena Grohovickaja művészetében a siker szimbóluma nem a végpont, hanem egy beszélgetés kezdete. Festményei nem annyira a jólétet ígérik, inkább azt vizsgálják, milyen árat hajlandó az ember saját megvalósításáért fizetni: figyelemmel, fegyelemmel, kockázattal, idővel. Talán éppen ezért a dollárjel náluk nem a szép élet reklámjaként működik, hanem a vágy tükörképeként – élénk, vonzó és nem mindig kényelmes.