Prețul dorinței

În artă, dolarul a încetat de mult să mai fie o simplă bancnotă: poate însemna putere, frică, libertate, vanitate — sau independență personală. Elena Grohovitskaya alege ultima interpretare. În lucrările ei, simbolismul banilor se transformă într-o discuție despre caracter, iar pictura iese din cadru — pe eșarfe de mătase și articole vestimentare. Ne-am întâlnit cu artista pentru a discuta fără formule publicitare: se poate crea artă despre succes fără a deveni ostatic al promisiunilor frumoase, unde se termină pictura și începe brandul și ce cumpără, de fapt, un colecționar.

— În arta dumneavoastră, banii apar aproape demonstrativ. Nu v-ați temut că privitorul va vedea în asta un gest prea direct?

— Direct în fața mea nu mă sperie, dacă există un al doilea strat. Banii sunt un chip pe care îl citești instantaneu, dar fiecare om îl umple cu propria experiență. Pentru unul este libertate, pentru altul — anxietate, pentru al treilea — o măsură a responsabilității. Nu mă interesează semnul valutei în sine, ci ceea ce se întâmplă cu o persoană lângă el.

— Adică, „tablourile dumneavoastră cu bani” — nu sunt despre bogăție?

— Nu despre bogăția ca vitrină. Mai degrabă despre capacitatea de a crea resurse și de a le gestiona. Percep banii ca pe o consecință a mișcării: muncă, decizii, răbdare, uneori risc. De aceea, în lucrările mele, aceștia sunt energia acțiunii, nu promisiunea unei noroc ușor.

— Dar pe rețelele de socializare, arta despre bani se transformă ușor într-un talisman de succes. Cât de apropiată vă este această zonă?

— Înțeleg de ce spectatorul vrea să vadă în tablou un simbol personal. Arta a fost întotdeauna dotată cu putere suplimentară — amintire, protecție, speranță. Dar pentru mine este important să nu promit un rezultat magic. Tabloul nu înlocuiește acțiunile. Poate aminti unei persoane de intenția sa, să concentreze atenția, să creeze atmosfera spațiului. Puterea sa este în sensul care apare între lucrare și proprietar.

— Când a apărut ideea de „Tablouri pe haine”?

— Din dorința de a elimina distanța dintre artă și viața de zi cu zi. Mai întâi au apărut eșarfe de mătase, produse în Italia. Mi-a plăcut că imaginea a încetat să fie imobilă: se schimba odată cu gestul, cu țesătura, cu lumina. Apoi a apărut ideea de costume de baie cu simbolistică monetară proprie. Pentru mine, nu este o transpunere a unei imagini pe un obiect, ci un alt mod de existență al operei.

— Unde, în acest caz, se află granița dintre artă și modă?

— Nu sunt sigură că astăzi această graniță trebuie protejată. Mai important este altceva: se păstrează ideea autorului atunci când se schimbă purtătorul. Dacă obiectul devine doar un suvenir, ideea dispare. Dacă continuă limbajul artistic, apare un dialog complet. Vreau ca hainele să nu ilustreze tabloul, ci să poarte tensiunea sa interioară.

— Denumiți pictura axul tuturor experimentelor. De ce?

— Pentru că tocmai în atelier are loc partea cea mai onestă a muncii. Acolo nu există public, reacții, vânzări — există pânza și necesitatea de a lua o decizie. Pictura disciplinează. Nu permite ascunderea unei idei slabe în ambalaj. Tot restul — eșarfe, haine, colaborări — are sens atâta timp cât este legat de această experiență primară.

— În imaginea dumneavoastră publică există multe cuvinte despre ambiție. Pentru un artist, ambiția este un avantaj sau un pericol?

— Ambele. Fără ambiție este greu să parcurgi un drum lung, mai ales când rezultatul nu vine imediat. Dar ambiția devine periculoasă dacă artistul începe să creeze nu o lucrare, ci o dovadă a propriei importanțe. Încerc să mă întorc la întrebarea: există în opera respectivă energie, pe care o va simți o persoană care nu știe nimic despre statutul și realizările mele?

— Și totuși, subliniați recunoașterea profesională: calitatea de membru al Uniunii Artiștilor din Rusia, statutul de academician al Academiei Europene de Științe Naturale, premiul Geometria Awards 2025. De ce are nevoie un artist contemporan de însemne de rang?

— Însemnele de rang nu fac tabloul mai puternic. Dar ele fixează etapele parcursului și reamintesc de responsabilitate. Pentru mine, mediul profesional este important ca spațiu de exigență. Curajul de a experimenta trebuie să se bazeze pe meșteșug, educație, muncă constantă — altfel, provocarea devine rapid goală.

— Lucrările dumneavoastră se află în colecții private și în fonduri muzeale. Ce se schimbă în momentul în care lucrarea părăsește atelierul?

— Ea încetează să aparțină doar intenției mele. În casa colecționarului, tabloul capătă o altă biografie: lumină nouă, spațiu, oameni, evenimente. Îmi place să mă gândesc că opera continuă să trăiască fără controlul meu. Poate tocmai atunci devine completă.

— Astăzi, cuvântul „investiție” este folosit de aproape toți cei care vând artă. Ce înseamnă pentru dumneavoastră?

— Mă raportez la el cu prudență. Artistul nu trebuie să promită creșterea prețului — piața este mai complicată. Valoarea investițională se formează treptat: din calitatea lucrărilor, recunoașterea limbajului, consecvența autorului, istoria expozițiilor, interesul colecționarilor și reputația profesională. Dar primul motiv pentru a cumpăra un tablou ar trebui să fie personal: vrei să trăiești lângă el.

— Deci, plăcerea estetică este mai importantă decât calculul?

— Nu trebuie să se certe. Estetica atrage, sensul reține, iar istoria autorului poate crește în timp valoarea operei. Dar calculul fără legătură emoțională transformă arta într-un număr. O colecție bună povestește mereu despre persoana care a adunat-o: despre gustul său, intuiția, capacitatea de a vedea ceva înaintea altora.

— Ce ar trebui să simtă o persoană în fața tabloului dumneavoastră?

— Nu există o reacție corectă. Dar îmi este aproape starea de concentrare interioară — când lucrarea nu doar împodobește peretele, ci îi redă persoanei senzația de anvergură a propriilor posibilități. Nu îi spune: „Vei reuși cu siguranță”, ci îi pune întrebarea: „Ce ești dispus să faci pentru asta?”

— Creați artă despre putere. Dar există vulnerabilitate în ea?

— Fără ea, puterea ar fi decorativă. Dorința de succes este aproape întotdeauna însoțită de teama de a nu reuși, de a pierde controlul, de a fi insuficient de important. Mă interesează tocmai acest contrast. Un chip luminos, sigur pe sine poate ascunde o întrebare foarte personală — și, posibil, de aceea te atrage.

— Cum vedeți dezvoltarea proiectului „Tablouri pe haine”?

— Vreau să-l transform într-o linie artistică independentă: cu ediții limitate, colaborări și proiecte expoziționale, unde pictura și moda vor vorbi la egalitate. În același timp, tirajul trebuie să rămână unul deliberat. Pentru mine este important să nu diluez gestul artistic într-o producție infinită.

— Și ce întrebare vă puneți astăzi, ca artist?

— Cum să păstrez libertatea atunci când în jurul operei începe să se formeze un sistem — colecționari, proiecte, recunoaștere, așteptări. Succesul oferă oportunități, dar în același timp propune să replicăm ceea ce a funcționat deja o dată. Pentru mine este important să nu devin ostatică a propriei recunoașteri.

În arta Elenei Grohovitskaya, simbolul succesului se dovedește a nu fi un punct final, ci începutul unei discuții. Tablourile ei nu promit atât prosperitate, cât analizează prețul pe care o persoană este dispusă să-l plătească pentru propria sa împlinire: prin atenție, disciplină, risc, timp. Posibil, tocmai de aceea semnul dolarului în ele funcționează nu ca o reclamă la o viață frumoasă, ci ca o oglindă a dorinței — luminoasă, atrăgătoare și nu întotdeauna confortabilă.