Цена желания

I konst har dollarn sedan länge upphört att vara bara en sedel: den kan symbolisera makt, rädsla, frihet, fåfänga – eller personlig självständighet. Elena Grokhovitskaya väljer den sista tolkningen. I hennes verk blir den monetära symboliken ett samtal om karaktär, och måleriet lämnar ramen – på sidendukar och kläder. Vi träffade konstnären för att prata utan reklambluffar: kan man skapa konst om framgång utan att bli en fånge i vackra löften, var slutar en målning och var börjar ett varumärke, och vad köper samlaren egentligen?

– Pengar dyker upp nästan demonstrativt i din konst. Var du inte rädd att betraktaren skulle se det som en alltför enkelspårig gest? – Enkelspårighet skrämmer mig inte om det finns ett andra lager bakom den. Pengar är en symbol som omedelbart avläses, men varje person fyller den med sin egen erfarenhet. För en är det frihet, för en annan – ångest, för en tredje – mått på ansvar. Jag är inte intresserad av själva valutasymbolen, utan av vad som händer med en person i dess närhet. – Med andra ord, dina ”pengamålningar” handlar inte om rikedom? – Inte om rikedom som ett skyltfönster. Snarare om förmågan att skapa och hantera resurser. Jag uppfattar pengar som en konsekvens av rörelse: arbete, beslut, uthållighet, ibland risk. Därför är det i mina verk handlingens energi, inte ett löfte om lätt tur. – Men på sociala medier blir konst om pengar lätt en lyckotalisman. Hur nära ligger det området dig? – Jag förstår varför betraktaren vill se en personlig symbol i målningen. Konst har alltid getts extra kraft – minne, skydd, hopp. Men för mig är det viktigt att inte lova ett magiskt resultat. En målning ersätter inte handlingar. Den kan påminna en person om hans avsikt, samla uppmärksamhet, skapa en stämning i rummet. Dess styrka ligger i den mening som uppstår mellan verket och ägaren. – När kom idén till ”Målningar på kläder”? – Ur en önskan att minska avståndet mellan konst och vardag. Först kom sidendukar producerade i Italien. Jag gillade att bilden slutade vara orörlig: den förändrades med gesten, tyget, ljuset. Sedan dök idén upp med badkläder med konstnärliga pengasymboler. För mig är det inte att överföra en bild till en sak, utan ett annat sätt för verket att existera. – Var går gränsen mellan konst och mode i så fall? – Jag är inte säker på att gränsen behöver vaktas idag. Annat är viktigare: bevaras den konstnärliga tanken när bäraren förändras? Om saken bara blir en souvenir försvinner idén. Om den fortsätter det konstnärliga språket uppstår en fullvärdig dialog. Jag vill att kläderna inte ska illustrera målningen, utan bära dess inre spänning.

– Du kallar måleriet för stommen i alla experiment. Varför? – För det är i ateljén den mest ärliga delen av arbetet sker. Där finns ingen publik, ingen reaktion, inga försäljningar – bara duken och nödvändigheten att fatta ett beslut. Måleriet disciplinerar. Det tillåter inte att man döljer en svag idé bakom förpackningen. Allt annat – sjalar, kläder, samarbeten – har mening så länge det är kopplat till denna ursprungliga erfarenhet. – I din offentliga persona finns det många ord om ambition. Är ambition en fördel eller en fara för en konstnär? – Både och. Utan ambition är det svårt att uthärda den långa vägen, särskilt när resultatet inte kommer omedelbart. Men ambition blir farlig om konstnären börjar skapa inte ett verk, utan ett bevis på sin egen betydelse. Jag försöker återvända till frågan: finns det energi i verket som en person som inte vet något om mina statusar och prestationer kommer att känna? – Ändå betonar du professionellt erkännande: medlemskap i Ryska konstnärsförbundet, status som ledamot av Europeiska akademin för naturvetenskap, priset Geometria Awards 2025. Varför behöver en modern konstnär utmärkelser? – Utmärkelser gör inte målningen starkare. Men de fastställer etapper på vägen och påminner om ansvar. För mig är den professionella miljön viktig som ett utrymme för krav. Modet att experimentera måste bygga på hantverk, utbildning, ständigt arbete – annars blir provokationen snabbt tom. – Dina verk finns i privata samlingar och museisamlingar. Vad förändras i det ögonblick då ett verk lämnar ateljén? – Det slutar tillhöra endast min avsikt. I samlarens hem får målningen en annan biografi: nytt ljus, rum, människor, händelser. Jag gillar att tänka att verket fortsätter att leva utan min kontroll. Kanske är det först då det blir fulländat. – Idag använder nästan alla som säljer konst ordet ”investering”. Vad betyder det för dig? – Jag förhåller mig försiktigt till det. En konstnär ska inte lova prisökning – marknaden är mer komplicerad än så. Investeringsvärdet byggs gradvis upp: genom kvaliteten på verken, igenkänningen av språket, författarens konsekvens, utställningshistorik, samlarnas intresse och professionella rykte. Men den första anledningen att köpa en målning bör fortfarande vara personlig: du vill leva bredvid den. – Så, estetisk njutning är viktigare än kalkylering? – De behöver inte argumentera. Estetik lockar, mening behåller, och konstnärens historia kan med tiden stärka verkets värde. Men kalkylering utan känslomässig koppling förvandlar konst till en siffra. En bra samling berättar alltid om personen som samlade den: om hans smak, intuition, förmåga att se något före andra. – Vad bör en person känna framför din målning? – Det finns ingen korrekt reaktion. Men jag känner mig nära ett tillstånd av inre samling – när verket inte bara pryder väggen, utan återger personen känslan av skalan på sina egna möjligheter. Inte säger till honom: ”Du kommer absolut att lyckas”, utan ställer frågan: ”Vad är du beredd att göra för det?” – Du skapar konst om styrka. Finns det sårbarhet i den? – Utan den skulle styrkan vara dekorativ. Önskan om framgång åtföljs nästan alltid av rädsla för att inte lyckas, att förlora kontroll, att visa sig otillräckligt betydelsefull. Det är just denna kontrast som intresserar mig. En ljus, självsäker bild kan dölja en mycket personlig fråga – och kanske är det därför den griper tag. – Hur ser du på utvecklingen av projektet ”Målningar på kläder”? – Jag vill förvandla det till en självständig konstnärlig linje: med begränsade utgåvor, samarbeten och utställningsprojekt där måleri och mode kommer att tala på lika villkor. Samtidigt ska upplagan förbli genomtänkt. Det är viktigt för mig att inte upplösa den konstnärliga gesten i oändlig produktion. – Och vilken fråga ställer du dig själv idag som konstnär? – Hur behåller man friheten när ett system börjar formas runt arbetet – samlare, projekt, erkännande, förväntningar. Framgång ger möjligheter, men samtidigt erbjuds man att upprepa det som en gång fungerade. Det är viktigt för mig att inte bli en fånge i min egen igenkänning. I Elena Grokhovitskayas konst blir symbolen för framgång inte en slutpunkt, utan början på ett samtal. Hennes målningar lovar inte så mycket överflöd som att utforska priset som en person är beredd att betala för sin egen förverkligande: med uppmärksamhet, disciplin, risk, tid. Kanske är det just därför dollarn i dem fungerar inte som reklam för ett vackert liv, utan som en spegel av begär – ljus, attraktiv och inte alltid bekväm.