El precio del deseo

En el arte, el dólar dejó de ser hace tiempo un simple billete: puede significar poder, miedo, libertad, vanidad o independencia personal. Elena Grokhovitskaya elige esta última interpretación. En sus obras, la simbología monetaria se convierte en una conversación sobre el carácter, y la pintura sale del marco para plasmarse en pañuelos de seda y prendas de vestir. Nos reunimos con la artista para hablar sin fórmulas publicitarias: ¿es posible crear arte sobre el éxito sin convertirse en rehén de bellas promesas, dónde termina un cuadro y empieza una marca, y qué compra realmente un coleccionista?

— En su arte, el dinero aparece de forma casi ostentosa. ¿No temía que el espectador viera en ello un gesto demasiado directo?

— La franqueza no me asusta si hay una segunda capa detrás. El dinero es una imagen que se lee al instante, pero cada persona lo llena con su propia experiencia. Para uno es libertad, para otro es ansiedad, para un tercero es una medida de responsabilidad. Lo que me interesa no es el signo de la divisa en sí, sino lo que le sucede a una persona junto a él.

— Es decir, ¿sus "cuadros de dinero" no tratan sobre la riqueza?

— No sobre la riqueza como escaparate. Más bien sobre la capacidad de crear recursos y administrarlos. Percibo el dinero como consecuencia del movimiento: trabajo, decisiones, aguante, a veces riesgo. Por eso, en mis obras es energía de acción, no una promesa de suerte fácil.

— Pero en las redes sociales, el arte sobre dinero se convierte fácilmente en un talismán de éxito. ¿Qué tan cercana es para usted esta área?

— Entiendo por qué el espectador quiere ver un símbolo personal en una obra de arte. Al arte siempre se le ha otorgado un poder adicional: memoria, protección, esperanza. Pero para mí es importante no prometer un resultado mágico. Un cuadro no sustituye las acciones. Puede recordar a una persona su intención, centrar su atención, crear el ambiente de un espacio. Su fuerza reside en el sentido que surge entre la obra y su propietario.

— ¿Cuándo surgió la idea de "Cuadros en la ropa"?

— Del deseo de eliminar la distancia entre el arte y la vida cotidiana. Primero aparecieron pañuelos de seda, fabricados en Italia. Me gustó que la imagen dejara de ser inmóvil: cambiaba con el gesto, la tela, la luz. Luego surgió la idea de trajes de baño con simbología monetaria de autor. Para mí, no se trata de trasladar una imagen a una prenda, sino de otra forma de existencia de la obra.

— ¿Dónde, en ese caso, se encuentra la frontera entre el arte y la moda?

— No estoy segura de que hoy en día esta frontera deba protegerse. Es más importante otra cosa: si el pensamiento autoral se conserva cuando cambia el soporte. Si la prenda se convierte solo en un recuerdo, la idea desaparece. Si continúa el lenguaje artístico, surge un diálogo completo. Quiero que la ropa no ilustre un cuadro, sino que transmita su tensión interna.

— Usted llama a la pintura el eje de todos sus experimentos. ¿Por qué?

— Porque es en el taller donde ocurre la parte más honesta del trabajo. Allí no hay público, ni reacción, ni ventas: solo el lienzo y la necesidad de tomar una decisión. La pintura disciplina. No permite ocultar una idea débil tras un empaque. Todo lo demás —pañuelos, ropa, colaboraciones— tiene sentido mientras esté ligado a esta experiencia primaria.

— En su imagen pública hay muchas palabras sobre ambición. Para un artista, ¿la ambición es una ventaja o un peligro?

— Ambas cosas. Sin ambición es difícil resistir un largo camino, especialmente cuando el resultado no llega de inmediato. Pero la ambición se vuelve peligrosa si el artista comienza a crear no una obra, sino una prueba de su propia importancia. Intento volver a preguntarme: ¿hay en la obra una energía que sentirá una persona que no sabe nada de mis estatus y logros?

— Y sin embargo, usted subraya el reconocimiento profesional: miembro de la Unión Creativa de Artistas de Rusia, académica de la Academia Europea de Ciencias Naturales, premio Geometria Awards 2025. ¿Para qué necesita un artista moderno las condecoraciones?

— Las condecoraciones no hacen un cuadro más fuerte. Pero fijan etapas del camino y recuerdan la responsabilidad. Para mí, el entorno profesional es importante como espacio de exigencia. La audacia para experimentar debe basarse en el oficio, la educación, el trabajo constante; de lo contrario, la provocación se vuelve rápidamente vacía.

— Sus obras se encuentran en colecciones privadas y fondos de museos. ¿Qué cambia en el momento en que una obra abandona el taller?

— Deja de pertenecer únicamente a mi concepción. En la casa del coleccionista, el cuadro adquiere otra biografía: nueva luz, espacio, personas, acontecimientos. Me gusta pensar que la obra sigue viviendo sin mi control. Quizás entonces es cuando se vuelve completa.

— Hoy en día, la palabra "inversión" es utilizada por casi todos los que venden arte. ¿Qué significa para usted?

— La trato con cautela. Un artista no debe prometer un aumento de precio; el mercado es más complejo. El valor de inversión se forma gradualmente: con la calidad de las obras, el reconocimiento del lenguaje, la coherencia del autor, la historia de las exposiciones, el interés de los coleccionistas y la reputación profesional. Pero la primera razón para comprar un cuadro, al fin y al cabo, debe ser personal: quieres vivir cerca de él.

— ¿Significa que el placer estético es más importante que el cálculo?

— No tienen por qué estar en conflicto. La estética atrae, el sentido retiene, y la historia del autor puede aumentar con el tiempo el valor de la obra. Pero el cálculo sin conexión emocional convierte el arte en una cifra. Una buena colección siempre habla de la persona que la reunió: de su gusto, su intuición, su capacidad para ver algo antes que otros.

— ¿Qué debería sentir una persona frente a su cuadro?

— No existe una reacción correcta. Pero me acerca el estado de concentración interna: cuando la obra no solo decora la pared, sino que devuelve a la persona la sensación de la magnitud de sus propias posibilidades. No le dice: "Sin duda alcanzarás el éxito", sino que le pregunta: "¿Qué estás dispuesto a hacer para lograrlo?".

— Usted crea arte sobre la fuerza. ¿Y la vulnerabilidad está presente en él?

— Sin ella, la fuerza sería decorativa. El deseo de éxito casi siempre va acompañado del miedo a no lograrlo, a perder el control, a no ser lo suficientemente importante. Lo que me interesa es precisamente este contraste. Una imagen brillante y segura puede ocultar una pregunta muy personal, y quizás por eso llama la atención.

— ¿Cómo ve el desarrollo del proyecto "Cuadros en la ropa"?

— Quiero convertirlo en una línea artística independiente: con tiradas limitadas, colaboraciones y proyectos expositivos donde la pintura y la moda dialoguen en igualdad de condiciones. Al mismo tiempo, la tirada debe seguir siendo reflexiva. Para mí es importante no disolver el gesto artístico en una producción infinita.

— ¿Y qué pregunta se hace hoy a sí misma como artista?

— ¿Cómo mantener la libertad cuando alrededor de la obra empieza a formarse un sistema: coleccionistas, proyectos, reconocimiento, expectativas? El éxito brinda oportunidades, pero al mismo tiempo te invita a repetir lo que ya funcionó una vez. Para mí es importante no convertirme en rehén de mi propia reconocibilidad.

En el arte de Elena Grokhovitskaya, el símbolo del éxito resulta no ser un punto final, sino el comienzo de una conversación. Sus cuadros no prometen tanto riqueza material como analizan el precio que una persona está dispuesta a pagar por su propia realización: con atención, disciplina, riesgo, tiempo. Quizás por eso el signo del dólar en ellos funciona no como una publicidad de la vida de lujo, sino como un espejo del deseo: brillante, atractivo y no siempre cómodo.