Dans l'art, le dollar a depuis longtemps cessé d'être une simple coupure : il peut symboliser le pouvoir, la peur, la liberté, la vanité — ou l'indépendance personnelle. Elena Grokhovitskaya choisit la dernière interprétation. Dans ses œuvres, la symbolique monétaire se transforme en une conversation sur le caractère, et la peinture sort de son cadre — sur des foulards en soie et des vêtements. Nous avons rencontré l'artiste pour parler sans formules publicitaires : peut-on créer de l'art sur le succès sans devenir l'otage de belles promesses, où se termine un tableau et où commence une marque, et qu'est-ce que le collectionneur achète réellement.

Elena Grokhovitskaya — une œuvre de la série monétaire
Photo : une œuvre d'Elena Grokhovitskaya

— Dans votre art, l'argent apparaît presque de façon ostentatoire. N'aviez-vous pas peur que le spectateur y voie un geste trop direct ?

— La communication directe ne m'effraie pas, s'il y a une deuxième couche derrière. L'argent est une image qui est comprise instantanément, mais chaque personne lui donne son propre vécu. Pour l'un, c'est la liberté, pour l'autre, l'anxiété, pour un troisième, la mesure de la responsabilité. Ce qui m'intéresse, ce n'est pas le signe de la monnaie en soi, mais ce qui se passe avec l'individu à côté de lui.

— C'est-à-dire que vos « tableaux monétaires » ne parlent pas de richesse ?

— Pas de richesse comme une vitrine. Plutôt de la capacité à créer des ressources et à les gérer. Je perçois l'argent comme une conséquence du mouvement : du travail, des décisions, de la patience, parfois du risque. Par conséquent, dans mes œuvres, c'est l'énergie de l'action, et non la promesse d'une chance facile.

— Mais sur les réseaux sociaux, l'art consacré à l'argent se transforme facilement en talisman de succès. Dans quelle mesure êtes-vous proche de ce territoire ?

— Je comprends pourquoi le spectateur veut voir dans un tableau un symbole personnel. L'art a toujours été doté d'une force supplémentaire — mémoire, protection, espoir. Mais pour moi, il est important de ne pas promettre un résultat magique. Un tableau ne remplace pas les actions. Il peut rappeler à une personne son intention, concentrer son attention, créer l'ambiance d'un espace. Sa force réside dans le sens qui naît entre l'œuvre et son propriétaire.

— Quand l'idée des « Tableaux sur vêtements » est-elle apparue ?

— Du désir de supprimer la distance entre l'art et le quotidien. D'abord, il y a eu les foulards en soie, produits en Italie. J'ai aimé que l'image ne soit plus figée : elle changeait avec le geste, le tissu, la lumière. Ensuite, l'idée des maillots de bain avec une symbolique monétaire unique est apparue. Pour moi, ce n'est pas un transfert d'image sur un objet, mais une autre manière d'exister pour l'œuvre.

— Où se situe alors la frontière entre l'art et la mode ?

— Je ne suis pas sûre qu'il faille aujourd'hui protéger cette frontière. Ce qui est plus important : la pensée de l'auteur est-elle préservée lorsque le support change. Si l'objet devient juste un souvenir, l'idée disparaît. S'il poursuit le langage artistique, un dialogue complet naît. Je veux que les vêtements n'illustrent pas un tableau, mais portent sa tension intérieure.

Elena Grokhovitskaya — une œuvre originale
Photo : une œuvre d'Elena Grokhovitskaya

— Vous qualifiez la peinture de pivot de toutes vos expériences. Pourquoi ?

— Parce que c'est à l'atelier que se déroule la partie la plus honnête du travail. Il n'y a pas de public, de réaction, de ventes — il y a la toile et la nécessité de prendre une décision. La peinture discipline. Elle ne permet pas de cacher une idée faible derrière un emballage. Tout le reste — foulards, vêtements, collaborations — a du sens tant qu'il est lié à cette expérience primordiale.

— Dans votre image publique, il y a beaucoup de mots sur l'ambition. Pour un artiste, l'ambition est-elle un avantage ou un danger ?

— Les deux. Sans ambition, il est difficile de tenir sur la longue route, surtout lorsque le résultat n'arrive pas immédiatement. Mais l'ambition devient dangereuse si l'artiste commence à créer non pas une œuvre, mais une preuve de sa propre importance. J'essaie de revenir à la question : y a-t-il dans l'œuvre une énergie que ressentira une personne qui ne sait rien de mes statuts et de mes réalisations ?

— Vous soulignez néanmoins la reconnaissance professionnelle : membre de l'Union créative des artistes de Russie, académicienne de l'Académie européenne des sciences naturelles, lauréate du Geometria Awards 2025. Pourquoi un artiste contemporain a-t-il besoin de titres ?

— Les titres ne rendent pas un tableau plus fort. Mais ils marquent des étapes du parcours et rappellent la responsabilité. Pour moi, le milieu professionnel est important en tant qu'espace d'exigence. L'audace d'expérimenter doit reposer sur le métier, l'éducation, le travail constant — sinon la provocation devient vite vide.

— Vos œuvres se trouvent dans des collections privées et des fonds de musées. Que se passe-t-il au moment où une œuvre quitte l'atelier ?

— Elle cesse d'appartenir uniquement à mon intention. Dans la maison du collectionneur, le tableau acquiert une autre biographie : nouvelle lumière, nouvel espace, nouvelles personnes, nouveaux événements. J'aime penser que l'œuvre continue de vivre sans mon contrôle. C'est peut-être alors qu'elle devient complète.

— Aujourd'hui, le mot « investissement » est utilisé par presque tous ceux qui vendent de l'art. Que signifie-t-il pour vous ?

— J'y suis prudente. Un artiste ne doit pas promettre une augmentation de prix — le marché est plus complexe. La valeur d'investissement se construit progressivement : par la qualité des œuvres, la reconnaissance du style, la cohérence de l'auteur, l'histoire d'exposition, l'intérêt des collectionneurs et la réputation professionnelle. Mais la première raison d'acheter un tableau devrait toujours être personnelle : vous voulez vivre à ses côtés.

— Ainsi, le plaisir esthétique est plus important que le calcul ?

— Ils ne sont pas obligés de s'opposer. L'esthétique attire, le sens retient, et l'histoire de l'auteur peut avec le temps renforcer la valeur de l'œuvre. Mais le calcul sans lien émotionnel transforme l'art en chiffre. Une bonne collection raconte toujours l'histoire de la personne qui l'a constituée : de son goût, de son intuition, de sa capacité à voir quelque chose avant les autres.

— Que doit ressentir une personne devant votre tableau ?

— Il n'y a pas de réaction correcte. Mais l'état de concentration intérieure me touche — quand l'œuvre ne fait pas qu'embellir le mur, mais redonne à la personne le sentiment de l'ampleur de ses propres possibilités. Elle ne lui dit pas : « Tu réussiras forcément », mais lui pose la question : « Qu'es-tu prêt à faire pour y parvenir ? »

— Vous créez de l'art sur la puissance. Y a-t-il de la vulnérabilité ?

— Sans elle, la puissance serait décorative. Le désir de succès est presque toujours accompagné de la peur de ne pas y arriver, de perdre le contrôle, de ne pas être assez important. C'est précisément ce contraste qui m'intéresse. Une image vive et confiante peut cacher une question très personnelle — et c'est peut-être pourquoi elle accroche.

— Comment voyez-vous l'évolution du projet « Tableaux sur vêtements » ?

— Je veux en faire une ligne artistique indépendante : avec des éditions limitées, des collaborations et des expositions où la peinture et la mode dialogueront à armes égales. Dans le même temps, la diffusion doit rester réfléchie. Il est important pour moi de ne pas diluer le geste artistique dans une production infinie.

— Et quelle question vous posez-vous aujourd'hui en tant qu'artiste ?

— Comment préserver la liberté lorsque, autour de mon travail, un système commence à se former — collectionneurs, projets, reconnaissance, attentes. Le succès offre des opportunités, mais propose en même temps de répéter ce qui a déjà fonctionné une fois. Il est important pour moi de ne pas devenir l'otage de ma propre notoriété.

Dans l'art d'Elena Grokhovitskaya, le symbole du succès n'est pas un point final, mais le début d'une conversation. Ses tableaux ne promettent pas tant l'aisance qu'ils n'examinent le prix que l'individu est prêt à payer pour sa propre réalisation : attention, discipline, risque, temps. C'est peut-être pour cela que le signe du dollar y fonctionne non pas comme une publicité pour une belle vie, mais comme un miroir du désir — vif, attrayant et pas toujours confortable.