Il prezzo del desiderio

Il dollaro nell'arte ha da tempo smesso di essere una semplice banconota: può significare potere, paura, libertà, vanità o indipendenza personale. Elena Grokhovitskaya sceglie quest'ultima interpretazione. Nelle sue opere, la simbologia monetaria si trasforma in una riflessione sul carattere, e la pittura esce dalla cornice per approdare su foulard di seta e capi d'abbigliamento. Abbiamo incontrato l'artista per parlare senza formule pubblicitarie: è possibile creare arte sul successo senza diventare ostaggio di belle promesse, dove finisce un quadro e inizia un brand, e cosa compra davvero un collezionista.

— Nella tua arte il denaro appare quasi in modo dimostrativo. Non hai temuto che lo spettatore vedesse in ciò un gesto troppo diretto?

— La franchezza non mi spaventa, se c'è un secondo livello dietro. Il denaro è un'immagine che viene letta istantaneamente, ma ogni persona la riempie con la propria esperienza. Per uno è libertà, per un altro — ansia, per un terzo — misura di responsabilità. Mi interessa non il segno della valuta in sé, ma ciò che accade all'essere umano accanto ad esso.

— Allora i tuoi "quadri di denaro" non riguardano la ricchezza?

— Non sulla ricchezza come vetrina. Piuttosto sulla capacità di creare e gestire risorse. Percepisco il denaro come una conseguenza del movimento: lavoro, decisioni, perseveranza, a volte rischio. Pertanto, nei miei lavori, rappresenta l'energia dell'azione, non la promessa di una fortuna facile.

**— Ma sui social network, l'arte del denaro si trasforma facilmente in un amuleto di successo. Quanto ti è vicina questa sfera?**

— Capisco perché lo spettatore desideri vedere un simbolo personale in un'immagine. L'arte è sempre stata dotata di un potere extra — memoria, protezione, speranza. Ma per me è importante non promettere un risultato magico. Un dipinto non sostituisce le azioni. Può ricordare a una persona la sua intenzione, focalizzare l'attenzione, creare l'atmosfera di uno spazio. Il suo potere risiede nel significato che emerge tra l'opera e il proprietario.

— Quando è nata l'idea di "Quadri in abiti"?

— Dal desiderio di ridurre la distanza tra arte e quotidianità. Innanzitutto sono comparsi i foulard di seta, prodotti in Italia. Mi è piaciuto il fatto che l'immagine smettesse di essere statica: cambiasse con il gesto, il tessuto, la luce. Poi è nata l'idea dei costumi da bagno con simboli monetari d'autore. Per me non si tratta di trasferire un'immagine su un oggetto, ma di un altro modo di esistere per l'opera.

— Dove si traccia quindi il confine tra arte e moda?

— Non sono sicura che questo confine debba essere sorvegliato oggi. Più importante è un'altra cosa: il pensiero dell'autore si conserva quando cambia il suo supporto. Se l'oggetto diventa solo un souvenir, l'idea scompare. Se continua il linguaggio artistico, nasce un dialogo completo. Voglio che l'abbigliamento non illustri il quadro, ma ne porti la tensione interiore.

— Chiamate la pittura il fulcro di tutti gli esperimenti. Perché?

— Perché è proprio nello studio che avviene la parte più onesta del lavoro. Non ci sono pubblico, reazioni, vendite — c'è la tela e la necessità di prendere una decisione. La pittura è disciplinante. Non ti permette di nascondere un pensiero debole dietro la confezione. Tutto il resto — foulard, abbigliamento, collaborazioni — ha senso finché è collegato a questa esperienza primaria.

— Nel tuo personaggio pubblico ci sono molte parole sull'ambizione. Per un artista, l'ambizione è un vantaggio o un pericolo?

— Entrambe le cose. Senza ambizione è difficile percorrere un lungo cammino, specialmente quando il risultato non arriva subito. Ma l'ambizione diventa pericolosa se l'artista inizia a creare non un'opera, ma una prova della propria importanza. Cerco di tornare alla domanda: c'è nell'opera un'energia che una persona, che non sa nulla dei miei status e dei miei successi, potrà percepire?

Eppure sottolineate il riconoscimento professionale: l'appartenenza all'Unione creativa degli artisti russi, lo status di accademico dell'Accademia europea delle scienze naturali, il premio Geometria Awards 2025. Perché un artista contemporaneo ha bisogno di insegne?

— I titoli non rendono un quadro più forte. Ma fissano le tappe del percorso e ricordano la responsabilità. Per me, l'ambiente professionale è importante come spazio di esigibilità. L'audacia di sperimentare deve basarsi sul mestiere, sull'educazione, sul lavoro costante — altrimenti la provocazione diventa presto vuota.

— Le Sue opere si trovano in collezioni private e fondi museali. Cosa cambia nel momento in cui un'opera lascia lo studio?

— Smette di appartenere solo alla mia intenzione. Nella casa di un collezionista, il quadro acquisisce un'altra biografia: una nuova luce, uno spazio, persone, eventi. Mi piace pensare che l'opera continui a vivere senza il mio controllo. Forse è allora che diventa completa.

— Oggi quasi chiunque venda arte usa la parola «investimento». Cosa significa per lei?

— Mi approccio con cautela. Un artista non dovrebbe promettere un aumento del valore — il mercato è più complesso. Il valore di un investimento si costruisce gradualmente: dalla qualità delle opere, dalla riconoscibilità del linguaggio, dalla coerenza dell'autore, dalla storia delle mostre, dall'interesse dei collezionisti e dalla reputazione professionale. Ma la prima ragione per comprare un quadro dovrebbe comunque essere personale: vuoi vivere accanto ad esso.

— Quindi il piacere estetico è più importante del calcolo?

— Non è obbligatorio che ci sia una discussione. L'estetica attrae, il significato trattiene, e la storia dell'artista può rafforzare il valore dell'opera nel tempo. Ma il calcolo senza connessione emotiva trasforma l'arte in un numero. Una buona collezione racconta sempre della persona che l'ha creata: del suo gusto, della sua intuizione, della capacità di vedere qualcosa prima degli altri.

— Cosa dovrebbe provare una persona di fronte al suo quadro?

— Non esiste una reazione giusta. Ma mi è vicina la condizione di concentrazione interiore — quando il lavoro non si limita ad abbellire un muro, ma restituisce all'uomo la percezione della grandezza delle proprie capacità. Non gli dice: «Avrai sicuramente successo», ma gli pone la domanda: «Cosa sei disposto a fare per questo?»

— Lei crea arte sulla forza. E c'è vulnerabilità al suo interno?

— Senza di essa, il potere sarebbe decorativo. Il desiderio di successo è quasi sempre accompagnato dalla paura di fallire, di perdere il controllo, di non essere abbastanza importanti. È proprio questo contrasto che mi interessa. Un'immagine brillante e sicura può nascondere una domanda molto personale e, forse per questo, cattura l'attenzione.

— Come immagina lo sviluppo del progetto "Quadri nell'abbigliamento"?

— Voglio trasformarlo in una linea artistica indipendente: con edizioni limitate, collaborazioni e progetti espositivi in cui pittura e moda dialogheranno alla pari. Allo stesso tempo, la tiratura deve rimanere sensata. Per me è importante non sciogliere il gesto artistico nella produzione infinita.

— E quale domanda ti poni oggi come artista?

— Come preservare la libertà quando intorno al lavoro inizia a formarsi un sistema: collezionisti, progetti, riconoscimenti, aspettative. Il successo offre opportunità, ma allo stesso tempo invita a ripetere ciò che ha già funzionato. Per me è importante non diventare ostaggio della mia stessa riconoscibilità.

Nell'arte di Elena Grokhovitskaya, il simbolo del successo non è un punto finale, ma l'inizio di una conversazione. I suoi dipinti non promettono tanto prosperità, quanto piuttosto esaminano il prezzo che una persona è disposta a pagare per la propria realizzazione: attenzione, disciplina, rischio, tempo. Forse è proprio per questo che il segno del dollaro in esse non funziona come pubblicità di una bella vita, ma come uno specchio del desiderio: brillante, attraente e non sempre comodo.