O preço do desejo

Na arte, o dólar há muito deixou de ser apenas uma nota: pode significar poder, medo, liberdade, vaidade — ou independência pessoal. Elena Grokhovitskaya escolhe a última interpretação. Nas suas obras, a simbologia monetária transforma-se numa conversa sobre o caráter, e a pintura sai da moldura — para lenços de seda e peças de vestuário. Encontrámo-nos com a artista para conversar sem fórmulas publicitárias: será possível criar arte sobre o sucesso sem se tornar refém de promessas bonitas, onde termina a pintura e começa a marca e o que o colecionador realmente compra.

— Na sua arte, o dinheiro aparece quase de forma ostensiva. Não teve medo que o espetador visse nisso um gesto demasiado direto?

— A frontalidade não me assusta, se houver uma segunda camada por trás. O dinheiro é uma imagem que se lê instantaneamente, mas cada pessoa atribui-lhe o seu próprio significado com base na experiência pessoal. Para um, significa liberdade, para outro, ansiedade, para um terceiro, medida de responsabilidade. O que me interessa não é o próprio símbolo da moeda, mas sim o que acontece com a pessoa ao seu lado.

— Ou seja, as suas "pinturas de dinheiro" não são sobre riqueza?

— Não sobre riqueza como montra. É mais sobre a capacidade de criar recursos e geri-los. Eu vejo o dinheiro como uma consequência do movimento: trabalho, decisões, perseverança, por vezes risco. Por isso, nas minhas obras, é energia de ação, e não uma promessa de sorte fácil.

— Mas nas redes sociais, a arte sobre dinheiro transforma-se facilmente num talismã de sucesso. Quão próxima se sente desta área?

— Eu compreendo porque é que o espetador quer ver um símbolo pessoal na pintura. A arte sempre foi dotada de força adicional — memória, proteção, esperança. Mas para mim, é importante não prometer um resultado mágico. A pintura não substitui as ações. Pode relembrar uma pessoa da sua intenção, concentrar a atenção, criar o ambiente do espaço. A sua força reside no significado que surge entre a obra e o dono.

— Quando surgiu a ideia de "Pinturas em Vestuário"?

— Do desejo de eliminar a distância entre a arte e o quotidiano. Primeiro, surgiram os lenços de seda, produzidos em Itália. Gostei do facto de a imagem ter deixado de ser imóvel: mudava com o gesto, o tecido, a luz. Depois, surgiu a ideia de fatos de banho com simbologia monetária autoral. Para mim, não é uma transferência de imagem para o objeto, mas sim outra forma de existência da obra.

— Onde, nesse caso, fica a fronteira entre arte e moda?

— Não tenho a certeza se hoje em dia essa fronteira deve ser protegida. Mais importante é outra coisa: a ideia autoral mantém-se quando o suporte muda. Se o objeto se torna apenas uma lembrança, a ideia desaparece. Se continua a linguagem artística, surge um diálogo completo. Eu quero que a roupa não ilustre a pintura, mas sim que carregue a sua tensão interna.

— Chama à pintura o eixo de todos os experimentos. Porquê?

— Porque é na oficina que acontece a parte mais honesta do trabalho. Não há público, reação, vendas — há a tela e a necessidade de tomar uma decisão. A pintura disciplina. Não permite esconder uma ideia fraca por trás da embalagem. Todo o resto — lenços, roupa, colaborações — faz sentido enquanto estiver ligado a essa experiência primária.

— Na sua imagem pública, há muitas palavras sobre ambição. Para um artista, a ambição é uma vantagem ou um perigo?

— Ambas as coisas. Sem ambição, é difícil suportar o longo caminho, especialmente quando o resultado não chega imediatamente. Mas a ambição torna-se perigosa se o artista começa a criar não uma obra, mas a prova da sua própria importância. Eu tento voltar a colocar-me a questão: há energia na obra que uma pessoa, que não sabe nada sobre os meus status e conquistas, sentirá?

— E, no entanto, salienta o reconhecimento profissional: a filiação na União Criativa de Artistas da Rússia, o estatuto de académico da Academia Europeia de Ciências Naturais, o prémio Geometria Awards 2025. Para que servem as insígnias a um artista contemporâneo?

— As insígnias não tornam a pintura mais forte. Mas elas registam as etapas do caminho e lembram da responsabilidade. Para mim, o ambiente profissional é importante como um espaço de exigência. A coragem de experimentar deve basear-se no ofício, na educação, no trabalho constante — caso contrário, a provocação torna-se rapidamente vazia.

— As suas obras encontram-se em coleções privadas e acervos de museus. O que muda no momento em que a obra sai da oficina?

— Deixa de pertencer apenas ao meu conceito. Na casa do colecionador, a pintura ganha outra biografia: nova luz, espaço, pessoas, eventos. Gosto de pensar que a obra continua a viver sem o meu controlo. Talvez seja então que ela se torna completa.

— Hoje em dia, a palavra "investimento" é usada por quase todos os que vendem arte. O que significa para si?

— Eu encaro-a com cautela. Um artista não deve prometer aumento de preço — o mercado é mais complexo. O valor de investimento constrói-se gradualmente: a partir da qualidade das obras, do reconhecimento da linguagem, da consistência do autor, da história das exposições, do interesse dos colecionadores e da reputação profissional. Mas a primeira razão para comprar uma pintura deve ser sempre pessoal: você quer viver perto dela.

— Ou seja, o prazer estético é mais importante do que o cálculo?

— Eles não têm de discordar. A estética atrai, o sentido retém, e a história do autor pode, com o tempo, reforçar o valor da obra. Mas o cálculo sem ligação emocional transforma a arte num número. Uma boa coleção conta sempre sobre a pessoa que a reuniu: sobre o seu gosto, intuição, capacidade de ver algo antes dos outros.

— O que é que uma pessoa deve sentir diante da sua pintura?

— Não existe uma reação correta. Mas o estado de concentração interior agrada-me — quando a obra não decora apenas a parede, mas devolve à pessoa a sensação da escala das suas próprias possibilidades. Não lhe diz: "Você alcançará o sucesso com certeza", mas sim pergunta: "O que está disposto a fazer para isso?"

— Você cria arte sobre força. E a vulnerabilidade existe nela?

— Sem ela, a força seria decorativa. O desejo de sucesso quase sempre coexiste com o medo de não se realizar, de perder o controlo, de ser insuficiente. O que me interessa é precisamente este contraste. Uma imagem brilhante e confiante pode esconder uma questão muito pessoal — e, talvez por isso, ela nos fisgue.

— Como vê o desenvolvimento do projeto "Pinturas em Vestuário"?

— Quero transformá-lo numa linha artística independente: com edições limitadas, colaborações e projetos expositivos onde a pintura e a moda falarão em pé de igualdade. Ao mesmo tempo, a tiragem deve permanecer significativa. Para mim, é importante não diluir o gesto artístico na produção infinita.

— E qual é a pergunta que se faz hoje como artista?

— Como manter a liberdade quando em torno do trabalho começa a formar-se um sistema — colecionadores, projetos, reconhecimento, expectativas. O sucesso dá oportunidades, mas ao mesmo tempo propõe repetir o que já funcionou uma vez. Para mim, é importante não me tornar refém do meu próprio reconhecimento.

Na arte de Elena Grokhovitskaya, o símbolo do sucesso revela-se não um ponto final, mas o início de uma conversa. As suas pinturas não prometem tanto riqueza, quanto consideram o preço que uma pessoa está disposta a pagar pela sua própria realização: com atenção, disciplina, risco, tempo. Talvez seja por isso que o símbolo do dólar nelas funciona não como publicidade a uma vida bonita, mas como um espelho do desejo — brilhante, atraente e nem sempre confortável.